Festival Escena Abierta 2025

Entrada: 10 €

EL CONDE DE TORREFIEL / La luz de un lago

La luz de un lago sumerge al espectador en el imaginario de una película que se sostiene a través una estética refinada y abstracta, articulada sobre el escenario a través de la palabra y la coreografía de los cuerpos y la escenografía. La trama de La luz de un lago está tejida por los fragmentos de vida de personajes que viven en lugares y tiempos diferentes. Las historias aparecen y desaparecen, están como en una matrioska de la narratividad, una mise en abîme en las profundas aguas del tiempo: una pareja que se conoce en un concierto en Manchester, dos amantes secretos en Atenas, una transexual en París y un estreno en la Ópera La Fenice de Venecia. La luz de un lago habla de amor, del trabajo y de violencia en un mundo que colapsa visualmente entre espejismos, trampantojos y alucinaciones.

A lo largo de la obra se refleja la lucha constante por encontrar la claridad en un mundo lleno de borrones. Como es habitual en las propuestas artísticas de El Conde de Torrefiel, visión y escucha entran en colisión, en una turbulenta oscilación donde se abre una grieta en el significado que da paso a la posibilidad de un lugar para la imaginación del espectador: la única imagen posible y verdadera en escena.

Ficha artística y técnica

Idea y creación: El Conde de Torrefiel / Dirección, texto y dramaturgia: Tanya Beyeler y Pablo Gisbert / En escena: Mireia Donat Melús, Mauro Molina, Isaac Torres / Diseño escenografía: El Conde de Torrefiel & Isaac Torres / Espacio y materiales: El Conde de Torrefiel & La Cuarta Piel / Coordinación y dirección técnica: Isaac Torres / Diseño de luces: Manoly Rubio García / Diseño de sonido: Rebecca Praga, Uriel Ireland / Creación de vídeos: Carlos Pardo and María Antón Cabot / Técnicos en gira:  Uriel Ireland, Andrea Forlenza, Roberto Baldinelli / Producción y administración: Uli Vandenberghe / Producción ejecutiva: CIELO DRIVE SL y Alessandra Simeoni / Con el apoyo de: ICEC - Generalitat de Catalunya (production), Festival TNT, Terrassa Teatre Principal de Lloret de Mar /  Una coproducción de: Festival GREC – Barcelona, CC Conde Duque – Madrid, Théâtre St. Gervais – Genève, Teatro Municipal de Porto – Rivoli, Festival d'Automne – Paris, Festival delle Colline Torinesi, Festival Contemporanea – Prato, VIERNULVIER - Gent / Agradecimientos: Marta Azparren y la inspiración que nos ha brindado su libro “Cine Ciego”, La Cuarta Piel, Regina Gisbert, Telas con Alma, Sergi Caballero, Los Reyes del Mambo, Salva Gisbert y Amalia Donat, David Mallols, Cal Gras d' Avinyò

Sábado 11 y domingo 12 de enero en el Fórum Evolución Burgos (Sala de Congresos) / 21:30 h. (sábado) y 20:30 h. (domingo).

Entrada: 10 €. Aforo limitado

CÍA. SUSANNA BARRANCO / V7: El arte de silenciar

Para mayores de 18 años

El proyecto V7 es un proyecto teatral de creación propia a partir de una investigación sobre el miedo y la libertad de expresión. El espectáculo lleva profundamente inscrita la tensión y el debate que conlleva la censura y la autocensura como ideas de control del libre pensamiento y de la libre expresión. ¿Cuáles son los límites? ¿Por qué censuramos? ¿Qué aceptamos de la divergencia?

El espectáculo muestra a dos personajes que se encuentran en un único espacio escénico donde representan un diálogo eterno y reflexivo. Por un lado la Puta, como símbolo de la perversión y la sumisión de la mujer y como personaje que cuestiona el sistema patriarcal que impone unas leyes de control, y el Censor, que incitará a la Puta a contar su historia, exponerse, sentir. Este diálogo eterno permitirá reflexionar sobre temas como la censura, la violencia o el poder, entre otros.

El espacio escénico y el tiempo se presentan como dos elementos que constituyen un universo en el que conviven la performatividad y diversos textos. Textos de creación propia y, también, inspirados y basados en obras artísticas, sobre todo cinematográficas, todas ellas censuradas o revisadas, como el documental Breathe, del que parte V7.

Ficha artística y técnica

Dirección: Susanna Barranco / Texto: Susanna Barranco y Juan Navarro / Interpretación: Susanna Barranco y Rubén Ametllé / Colaboración en la dirección: Juan Navarro / Diseño de iluminación: Conrado Parodi / Espacio escénico y vídeo: Manel Barnils / Diseño de vestuario: José Duarte / Producción: Cía. Susanna Barranco, Temporada Alta y Mousiké / Asistentes de producción: Yasmina Berkane y Elsa Julià / Impresión 3D: Ferran Silva / Fotografía: Sandra Gross / Coproducción con Temporada Alta / Con el apoyo de Temporada Alta, Ministerio de Cultura, OSIC, ICUB, ICEC, L’animal a l’esquena y Dau al Sec / Agradecimientos: Cía. Mal Pelo, Montserrat Casanovas, Annalisa Mirizio, Marta Azparren, Patricia Rodríguez y Nagore Arrizabalaga.

Sábado 11 y domingo 12 de enero en Cultural Cordón / 19:30 h. (sábado) y 18:30 h. (domingo).

Entrada: 10 €

 PRODUCCIONES KEPLER / OLM3DØ 3000 

Duración 60 min.

En un futuro distópico, una tecnología pionera sumerge al sujeto 625 en el universo de El caballero de Olmedo; pero, el experimento no sale como planeaba… y la realidad y la ficción colapsan.

OLM3DØ3000 es una pieza híbrida que une el clásico de Lope de Vega con las nuevas tecnologías en escena. Un solo gestual que no está solo, que dialoga con el mundo digital (verso en directo, espacios sonoros, proyecciones y videomapping) y que es modificado por los versos de Lope en directo. Un diálogo entre persona y máquina.  Un capítulo de Black Mirror barroco. Un puente entre el pasado y el futuro, lo analógico y lo digital, el teatro gestual y el verso clásico, la presencia y el videomapping. Teatro barroco y nuevos lenguajes: una versión cyberpunk de Lope de Vega. Un thriller áureo del siglo XXXI.

Producciones Kepler nace para participar en el Festival Internacional de Teatro de Almagro en 2017 y, desde entonces, sigue en activo. Sin dejar de lado su amor por los clásicos y la pedagogía, investigan en los nuevos lenguajes experimentales y trabajan en tender puentes con los nuevos públicos. Clásicos, creación colectiva, tecnologías y juventud.

Ficha artística y técnica

Elenco, creación y dramaturgia: Juan Carlos de la Vega e Itxaso Larrinaga / Dirección: Itxaso Larrinaga / Iluminación: José Antonio Villegas / Música y espacio sonoro: canción original: Leticia Ramos, espacio sonoro: Itxaso Larrinaga y Juan Carlos de la Vega / Ayudante de dirección: Víctor Barahona / Vídeo-escena: José Antonio Villegas / Actriz en holograma: Leticia Ramos / Movimiento: Juan Carlos de la Vega / Asesora de verso: Carlota Gaviño / Asesora de plástica: Berta Navas / Fotografía: Carla Maró / Comunicación en redes: María Elena Gallegos / Producción: Producciones Kepler

Jueves 16 y viernes 17 de enero en Cultural Cordon / 19:30 h.

Entrada: 10 €

ARAWAKE TEATRO/ Aquí duermen ciervos. PRE- ESTRENO

 Aquí duermen ciervos aúna diferentes puntos de vista y lenguajes para abordar la crisis política y humanitaria de la inmigración en Europa. En el verano de 2019, el Open Arms permaneció a la deriva frente a la costa de Lampedusa durante diecinueve días. Partiendo de dicho suceso, esta obra ofrece una reflexión sobre el uso de las redes sociales, la educación y el derecho a una vida digna. Y lo hace con voluntad poética.

En el texto de Nieves Rodríguez Rodríguez múltiples puntos de vista y diferentes lenguajes posibilitan la fusión en escena de intérpretes, medios digitales, objetos, manipuladores...; toda una invitación a la investigación y el desarrollo de nuevos dispositivos escénicos.

Para la puesta en escena, se parte de una actriz que asume el personaje femenino protagonista adulto y dos actores-manipuladores que dan vida al resto de personajes adultos, de forma física, y a los dos personajes infantiles en forma de títere, manejado en remoto con técnica de robotización. Asimismo, a través de objetos digitalizados en directo se crea la escenografía virtual y onírica. A ello se suma la poesía como forma directa de sensibilizar a una sociedad adormecida por medios de comunicación, las redes sociales y otros excesos. La poesía en la palabra y en la imagen como forma de comunicar con el público en directo, en vivo para despertarle y emanciparle.

Arawake es un colectivo escénico multidisciplinar formado en 2013 liderado por Jorge da Rocha. El grupo apuesta por la innovación y la implementación de las nuevas tecnologías (como la realidad aumentada o el desarrollo de dispositivos escénicos de gestión audiovisual a tiempo real) en su discurso artístico y narrativo.

“Soñé que el ciervo ileso pedía perdón al cazador frustrado” (Nemer Ibn el Barud)

Ficha artística y técnica

Texto original: Nieves Rodríguez Rodríguez / Interpretación y manipulación de títeres: Chus Gutiérrez, Félix Muñiz y Jorge da Rocha / Desarrollo tecnológico y Audiovisuales: Alberto O. González y Jorge da Rocha / Dirección de intérpretes: Montse Ortiz / Construcción de títeres: Jairo Fure  / Vestuario: Fran de Benito  / Atrezzo: Félix Muñiz / Comunicación: Jorge Arche / Diseño gráfico: Goyo Rodríguez / Foto: Gerardo Sanz / Vídeo: SENSEI MULTIMEDIA / Producción: ARAWAKE + Consejería de Cultura de la Junta de Castilla y León + Fundación Caja de Burgos a través del programa CREA / Dirección: Jorge da Rocha

Viernes 17 y sábado 18 de enero en el Fórum Evolución Burgos (Escenario del Auditorio Rafael Frühbech de Burgos - acceso por C/ Burgente) / 21:30 h.

Entrada: 10 €. Aforo limitado

ELISA FORCANO / Zorra dorada

Para mayores de 18 años.

Duración aproximada: 1 h. 30 min

“Si hubiese una montaña de piedras por cada mujer violada se extinguirían los campos.”

Llevo cinco años rumiando sobre esa noticia y esa mujer. Esa mujer, Noa, que de algún modo se ha convertido en la representación del abuso en todas las mujeres. Desde entonces he preguntado a las mujeres de mi entorno y no hay una sola que no haya sufrido algún tipo de abuso sexual; incluyéndome a mí misma. Esta pieza es un ritual para exorcizar el abuso de mi cuerpo que será el cuerpo de todas nosotras. Entendiendo los ritos como acciones simbólicas en las que nos reconocemos, mi cuerpo será canal para exorcizar los abusos sufridos en mis carnes por todos los cuerpos y todas las carnes. Su historia, su acción, su muerte, fue el detonante para este grito a la vida.

La posibilidad de una vida sin abusos es la posibilidad que deseamos vivir, aunque eso nos lleve a inmolarnos para conseguirlo. Yo me inmolaré poéticamente en escena. Su historia para ficcionar la propia.

Zorra dorada es una pieza como ejercicio para repensar la vida y dignificar la muerte. Así pues, este será un poema sobre el abuso y la rabia como motor de cambio. Explorar el poder del símbolo en escena a través del cuerpo, de imágenes y objetos que nos lleven al terreno del horror y la belleza. Ahondar en lo siniestro del recuerdo.

Ficha artística y técnica

Autoría, dirección y performer: Elisa Forcano / Asistencia a la dirección artística: Leonora Lax / Diseño de iluminación: Pilar Valdelvira / Diseño de sonido: Benigno Moreno / Plástica escénica: Guillermo Felipe y Leonora Lax / Creación audiovisual: Víctor Izquierdo / Música original e interpretación: Pilar Almalé, Iván Cózar y Benigno Moreno / Coreografía: Elisa Forcano / Asesoría de movimiento: Dario Sigco / Voz en off: Carmen Martínez-Raposo Caro / Fotografía de estudio: Ana Pizarro / Fotografía escénica: Victor Izquierdo / Producción: Víctor Izquierdo / Prensa: Amanda H C -Proyecto Duas / Distribución: Iñaki Díez y Raquel Jiménez - SIT AND SEE

Sábado 18 y domingo 19 de enero en el  Centro de Arte de Caja de Burgos (CAB) / 13:00 h. y 19:30 h. (sábado) y 13:00 h. (domingo).

Entrada: 10 €. Aforo limitado

NILO GALLEGO / Orelles voladores. Solo de percusión

Duración aproximada:  1 h.

En Orelles voladores, Nilo Gallego se deja atravesar por su experiencia como percusionista y sonidista, a la vez que propone al público la búsqueda de un nuevo solfeo y un nuevo sentido de la afinación, desde una sencillez y una honestidad extremas. Porque cada sonido que llega a nuestros oídos, rebotado y filtrado por todos los materiales que ha ido encontrando, nos cuenta una historia; una historia que vamos aprendiendo a ignorar a lo largo de los años y que esta pieza invita a recuperar. Orelles voladores es un concierto de percusión en el que el artista nos propone que formemos una orquesta de percusión con nuestros tímpanos, con la escucha como baqueta.

Nilo Gallego (Ponferrada, León) es músico y artista que realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. En sus trabajos, que siempre tienen un componente lúdico, busca la interacción con el entorno y lo cotidiano. Forma parte del colectivo experimental de acción Orquestina de pigmeos (junto a Chus Domínguez) y colabora habitualmente con creadores como Silvia Zayas, Alex Reynolds o la compañía Societat Doctor Alonso. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza la creación musical y diseño de espacios sonoros para compañías de teatro y danza contemporánea. Sus trabajos se han podido presenciar en festivales de artes en vivo nacionales e internacionales. Diseña herramientas e imparte talleres educativos basados en la escucha y la creación sonora en diversas instituciones como CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León).

Ficha artística y técnica

Creación e interpretación: Nilo Gallego / Coordinación escénica y acompañamiento: Chus Domínguez / Apoyo en la escritura: Álex Reynolds / Coproducción: Festival TNT (Terrassa Noves Tendencies) /  Residencias y apoyo: Espai nyamnyam, El Consulado Fonteta, Espacio Los Barros, La Poderosa y L’Estruch